绘画源于生活，画法也从生活中体验而悟。
世间万事万物，形态各异，画者主观感受亦各不同，表现方法自然难求一致。
万法所宗，归于造化。
绘画一家有一家法，既使师承传授，大同中也有小异，异既个性，发展个性才自成一家之法，才能青出于蓝胜于蓝，才有艺术上的百花齐放。
2、师法古今，变化在我。
我国的绘画己有数千年的历史，经过历代艺术家的追求探索，创造了非常丰富的技法，留下了无数的艺术珍品。
我们必须在前人的基础上，进行创新，让其永远保持其生生不息的活力。
我们主要要认识绘画的价值和丰富性。
前人的手段技法是座富饶的金矿，潜能很大，远远未曾掘尽；古代的和民间的艺术中，许多有生命力的元素还未被我们充分发现和运用，还有着沉重的学习任务，寻根、开掘、隔代继承都是可取的。
此外，异族的、现今的艺术也要学习和借鉴，一切好的东西都要拿来，吸收消融于民族传统之中，二者同步进行，才能创造民族的、现代的绘画艺术来。
3、法因人异，法随时变。
一位画家有一位画家的风格，一个地区有一个地区特色，一个时代有一个时代的面貌；时代性、民族性、地方性和画家的个性，是共性和个性的统一、有机结合，密不可分。
人各有秉赋，同出师门所学亦各有侧重，所得亦各有浅深，加上自己的个性和创造，便呈现出了各自的艺术面貌来，而时代的影响又会在绘画中显象出来，所以技法也是因人而异，随时而变的。
画史上杰出的大家都形成了自己的风格流派：如吴（道子）带当风、曹（仲达）衣出水、徐（熙）黄（筌）异体、顾恺之的“春蚕吐丝”、周昉的“周家样”等等，是风格，也是技法，千变万化，各有千秋。
4、立意为先，法随意生。
中国画重立意，技法是为表达内容服务的，不同的内容要求不同的表现技法，所以是法随意生，不可执一概全，以不变应万变。
常见有百美图如同一人，百子图皆如孪生、百花图皆用一法、南北山水皆如一地，这是艺术的僵化，不可取也。
技法的运用，既要表现客观事物，又要抒发主观思想感情，不宜生搬硬套来替代自己的创造。
正如别人的衣服鞋帽不一定适合自己穿戴一样，这要我行我法，而且我法也不止一法，画家要掌握十八般武器，各有妙用，而不是一兵器。
学习技法，要走进得门去，也走得出来。
5、取精去粗，不守一格。
画家要有多方面的修养，涉猎宜广，技法也要向多方面学习。
古今中外，凡有所长，都可资我用，不迷信、不盲从，取其精粹，弃其糟粕，要善于发现，不拘一格。
有人认为，名气大，技艺必定高超，而民间走出的艺人，不足一观，那叫偏激，大大的偏激。
要知尺有所短，寸有所长，善学的投名师，往往学到的是其短处，善学的却常从原始艺术、儿童乐趣、民间美术中获得有益的启示而卓然成家。
这主要在于善于识别和运用。
6、远致广大，近尽精微。
“致广大，尽精微”是徐悲鸿的名言。
对于绘画来说，最容易谨毛失貌，注意局部，忽略整体。
绘画长于聚精会神，特别是大幅巨篇有一定程度上的困难，但古代有好多都是篇幅宏大的壁画和长卷，既宜远观，又宜近赏。
其要诀是在构图上饱满，有气势，突出主体，又注意细部，巧妙地运用了焦点和多点动静结合的透视和装饰性处理，先有一个总体构思，随笔所之，无往不宜，而非杂乱拼凑。
7、九朽一罢，稿不厌改。
绘画要求笔之所指，精到意到。
古人起稿时有“九朽一罢”之说，是指起稿时用炭笔不厌多改，落稿时一笔定局，不可随意改动。
初稿之线一般也是最终之线，一线之失，往往成为白壁之瑕。
所以要求在画稿上多下功夫，反复琢磨，勿贪求成效，草率下笔，以致造成遗憾。
8、笔工意写，骨立神完。
中国画重意象，要求达意抒情。
工笔和写意，形式虽异，精神实同。
中国画以线造型，白描是它的基础。
一条线要担负复杂的造型任务，通过线的长短粗细，刚柔强弱、轻得疾徐、浓淡干湿以表现物象的轮廓、体积、质感、动态等等，要求十分严格。
一幅好的白描不假思索，虽不着色也能成为一幅完整的作品，它的道理就在这里。
甚至有白描绘，充分显示了线条之美，着色反倒成为蛇足了，李公麟的《维摩演教图》和吴道子的《八十七神仙卷》就有这个效果。
9、色化为彩，物物生***彩由颜料产生，颜料是色而非彩；只在运用它达到造型要求时，才成为绘画中的色彩。
色化为彩，就是要达到古人所说的“浓淡明晦之间”，也就是表现出物象在空间中的立体感、光影效果和情感氛围。
色彩不仅仅是视觉上的装饰，它还是传达情感和氛围的重要工具。
10、以简驭繁，以少胜多。
在绘画中，往往通过简练的手法来表现复杂的内容，通过少量的元素来达到丰富的效果。
以简驭繁，以少胜多，是一种高超的艺术技巧，也是绘画创作中追求的境界。